Monodia y melodía.

Monodia.

Es una composición musical para una sola voz. 

La primera definición dice que la monodia o monofonía, que es la textura musical característica de la música medieval, el máximo exponente es el canto gregoriano. En esta textura todas las voces e instrumentos que intervienen cantan o tocan simultáneamente la misma melodía, al unísono o a distancia de octava.

Melodía.

Una melodía es una sucesión de sonidos. Sigue una secuencia lineal a lo largo del tiempo.

En su sentido más literal, una melodía es una combinación de alturas y ritmo. Se puede considerar que la melodía es el primer plano respecto del acompañamiento de fondo. Pero no tiene necesariamente que estar en primer plano.

Polifonía.

La polifonía es un tipo de canto en el que varias voces melódicas suenan al mismo tiempo, por lo general esas voces son casi independientes o imitativas entre si.

Fuentes.

El contenido de este post es una recopilación y síntesis de diversas fuentes de información en internet.

Contrapunto.

Contrapunto es la relación entre dos o más voces que son independientes en ritmo y en armonía. Usado música de occidente, tuvo un gran desarrollo durante el renacimiento, y ha sido muy usado en la música Barroca.

El término contrapunto viene del latín punctum contra punctum que quiere decir nota contra nota. En todas las eras, la escritura de música organizada contrapuntalmente ha estado sujeta a reglas, a veces muy estrictas. 

Hay cinco tipos de contrapunto y estas son:

Uno contra uno.

En este tipo de contrapunto, cada nota en todas las voces adicionales suenan en contra de una nota del cantus firmus. Las notas de todas las voces suenan al mismo tiempo y se mueven una contra la otra. 

Las reglas de este tipo de contrapunto son:

1. Comenzar y terminar en unísono, octava o quinta, a menos que la voz añadida sea inferior, en cuyo caso se comienza y termina solamente en unísono u octava.
2. No utilizar unísono excepto al principio o al final.
3. Evitar las quintas u octavas paralelas entre dos voces y evitar las quintas u octavas paralelas "ocultas". Es decir, se mueve por movimiento contrario hacia una quinta o octava perfectas.
4. No moverse en cuartas paralelas. 
5. No moverse en terceras o sextas paralelas por mas de tres tiempos.
6. Tratar de mantener dos voces adyacentes dentro de una distancia de décima entre ellas, a menos que pueda crearse una línea melódica excepcionalmente agradable moviéndose fuera de ese rango.
7. Evitar que las dos partes se mueven en la misma dirección por el salto.
8. Tratar de introducir tanto movimiento contrario como sea posible.
9. Evitar los intervalos disonantes entre dos voces cualquiera: las segundas mayores y menores, las séptimas menores, cualquier intervalo aumentado o disminuido así como las cuartas perfectas (en muchos contextos).

Dos contra dos.

Consiste en que dos notas de cada una de las voces agregadas se contraponen a cada nota más larga de la voz dada. 

1. Se permite comenzar en un tiempo débil del compás, dejando un silencio en la voz que se añade.
2. El tiempo fuerte del compás sólo debe contener consonancias. El tiempo débil puede contener disonancias, pero sólo como notas de paso, es decir, debe ser abordado y resuelto por grados conjuntos en la misma dirección.
3. Evitar el intervalo de unísono salvo al principio o al final del ejemplo, con la excepción de que puede producirse en una parte no acentuada del compás.
4. Tener cuidado con las quintas u octavas perfectas acentuadas sucesivas.

Cuatro contra cuatro.

En este tipo de contrapunto cuatro notas se mueven contra cada nota más larga de la voz dada. 

Es importante el estudio del contrapunto de cuatro contra cuatro, por las posibilidades de la línea melódica de evolucionar nota a nota y por el efecto que los diferentes giros melódicos suponen a la línea melódica.

Contrapunto florido.

En el quinto tipo de contrapunto, a veces llamado contrapunto florido, las otras cuatro especies de contrapunto se combinan en las voces añadidas añadiendo las corcheas a la partitura.

Contrapunto sincopado.

En este tipo de contrapunto algunas notas se mantienen suspendidas en una voz añadida mientras que otras notas se mueven contra ellas en la voz dada, creando por lo general una disonancia en el tiempo fuerte del compás, seguida de una nota suspendida y luego se cambia para crear una consonancia con la nota de la voz dada, ya que sigue sonando. 

Fuentes.

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Armonio.

El armonio, en apariencia similar al órgano, pero sin tubos y de mucho menor tamaño; es un instrumento musical típico de los coros de iglesia. Esta clasificado dentro de los instrumento de viento, también es un instrumento musical típico de la música religiosa empleada en Asia. Aunque originalmente fue concebido como un instrumento doméstico, al igual que el piano, el armonio se impuso rápidamente en muchos templos religiosos por su tamaño y precio menores que los de un órgano.

Armonio.

Descripción.

Se trata de un conjunto de lengüetas metálicas que se hacen vibrar mediante un mecanismo 

de teclado que permite el acceso del aire acumulado en fuelles y accionados por pedales a cada una 

de las lengüetas. 

Otro armonio.

Cuenta con una tapa que cubre las teclas, la cual se abre hacia arriba, gracias al sistema que utiliza se consiguen producir sonidos diferentes en timbre, altura o matiz; además de poder dividir el teclado en dos secciones. Algunos armonios cuentan incluso con un registro que se acciona con las rodillas y permite el paso de aire por todas las lengüetas. De este modo se llegan a simular cómodamente dos y hasta tres teclados distintos.

Vídeo.

Fuentes.

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Clave.

El clave, también conocido como clavecín o clavicémbalo, es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, como el arpa y la guitarra.

El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado del piano moderno. 

Su estructura básica es uno o dos teclados o manuales, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor llamada plectro, que se encuentra en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, eleva la cuerda correspondiente, punzándola. Esto produce una nota. El volumen del instrumento no varía, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente.

Clave.

Importancia en el barroco.

El clave goza de mucha popularidad y reconocimiento entre finales del siglo del siglo XVI y 1630, se abrirá una época importante en la música para clave, época que abarca todo el Barroco.

Olvido del instrumento.

En la segunda mitad del siglo XVIII, después de la muerte de Bach, Händel, entre otros; la música destinada al clave sufre una rápida decadencia pues los compositores se interesan cada vez mas con el pianoforte. Esto debido a las posibilidades del nuevo instrumento, el clave será totalmente remplazado entre 1775 y 1790 por el pianoforte, aunque en este periodo, y durante algunas décadas, la música compuesta para el pianoforte también era interpretada en el clave, o a la inversa, indistintamente.

Pianoforte.

Mozart y Haydn, que aunque en sus primeros años destinaban sus obras al clave y al pianoforte sin distinción alguna adoptaron en su etapa de madurez el nuevo instrumento.

A partir de 1790, los compositores dejan totalmente de componer para el antiguo clave, cayendo en desuso hasta el siglo XX. El renacimiento del instrumento se produce gracias a la figura de la clavecinista Wanda Landowska, que recupera el interés por el clavicémbalo en la música contemporánea.

Wanda Landowska interpretando un obra de Bach

para clave.

Fuentes.

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Viola da gamba.

Es un instrumento musical de la familia de los cordófonos de cuerda frotada, su nombre viene del italiano y significa "viola de pierna" ya que al tocar el instrumento el ejecutante lo coloca entre sus piernas de una forma muy similar a la del violonchelo. Tiene trastes en el diapasón y fue muy utilizado en Europa desde finales del siglo XV principios del siglo XVIII. El modelo más extendido tiene seis cuerdas afinadas por cuartas (con una tercera mayor entre las centrales), un aspecto similar al del violonchelo, una extensión de re a re, y es tañido tomando el arco palma arriba. El intérprete es conocido como violagambista. 

Posteriormente la viola se diversifica, dando origen a la familia de las violas, en la que entra la viola da braccio (de brazo) mas tarde en la historia conocida como violín
La  dificultad técnica de la viola hizo que los intérpretes dejaran de preferirla en el siglo XVIII, esto debido a su poco volumen sonoro que le hizo retroceder ante las cada vez mayores exigencias de las nuevas salas de concierto, ademas de que el público, comenzó a preferir a los "nuevos instrumentos". Que cada vez daban un sonido mas hermoso, fuerte y majestuoso.

Familia.

La familia de la viola da gamba no era mas que el aumento o la reducción de tamaño de la viola original, por lo que la ejecución de otros tipos de viola variaba desde tocarla apoyándola en el hombro hasta ejecutar algunas violas estando de pie y con una persona de apoyo.

Vídeo.

Fuentes.

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Instrumentos del barroco.

Los instrumentos musicales del barroco son los utilizados entre 1600 y 1750.

También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica explotan al máximo el instrumento, como Johann Sebastian Bach en el caso del órgano o Antonio Vivaldi, Giuseppe Torelli en el violín.

En esta época, el clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.

El laúd, el instrumento renacentista por excelencia, cayó en el olvido ya por 1690-1700, desplazado por la guitarra y el clavecín.

Los principales instrumentos del barroco.

• Flauta dulce: Instrumento de madera con un sonido muy suave.

• Oboe: Este instrumento tiene un rango medio de tesitura.

• Fagot: Este instrumento tiene una especial facilidad para los sonidos graves, 

Otros instrumentos usados en el renacimiento son el órgano, el clave, el clavicordio, el clavecín y la viola da gamba.

Extras.

En la pagina que dejare a continuación puedes tener información sobre los instrumentos usados en el barroco de forma interactiva.

http://recursos.cnice.mec.es/musica/unidades/tercero_cuarto/barroco/d03_10/d03_10.html

Ademas te invito a leer mi post: "Características de los instrumentos."

Fuentes.

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Instrumentos del renacimiento.

Son los instrumentos comúnmente utilizados por los músicos de los siglos XV y XVI.

En el Renacimiento la fabricación de instrumentos adquirió mayor importancia, debido al aumento de compositores, por la demanda de música de parte de la sociedad y la creación de la imprenta.

En un principio, los instrumentos solo abarcaban la polifonía vocal, es decir, se limitaban a imitar el rango vocal de las respectivas voces existentes (soprano, contralto, tenor, bajo). De esta forma se remplazaban las voces humanas por instrumento, este proceso se llevo a cabo gradualmente hasta que se llego a la música instrumental.

Principales instrumentos del renacimiento.

• Laúd: Introducido a Europa (España) por los árabes, fue uno de los instrumentos favoritos de ese tiempo. El número de cuerdas variaba desde las 6 hasta las 10 cuerdas, con caja de resonancia en forma de media pera, era un instrumento que servía para acompañar danzas y canto. Es un instrumento con altas posibilidades tanto melódicas como armónicas.

Concierto para laúd. Vivaldi.

• Vihuela: Antecesora de la guitarra española, ya que es de forma similar pero menor tamaño, variaba de 6 a 8 cuerdas. Hoy en día, en México es usada para mariachis.

• Cromorno: el cromorno era un instrumento que poseía una doble lengüeta insertada dentro de una especie de cápsula o boquilla y su base tenía perfil curvo.

• Trompetas: Anteriormente he hablado de las trompetas.

Otros instrumentos utilizados en el barroco era:

• Familias de la viola da gamba

• Clave.

• Clavicordio.

• Órgano.

• Corneta.

• Chirimías.

Fuentes.

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Música árabe.

   En la cultura árabe, la expresión musical está basada en el talento individual. El músico suele ser compositor, intérprete e improvisador, centrándose la valoración del arte en los detalles más que en la estructura. La interpretación está organizada en torno a los maqamat, que son una serie de indicaciones sobre notas preferidas, con funciones rítmico-melódicas, conclusiones y otros términos musicales, todo ello alrededor de un modo melódico . Con estos elementos y un sentimiento general basado en una emoción y una filosofía concretas unidas a cada modo, el solista compone, interpreta e improvisa. Todo ello se dirige a conseguir el tarab, que es el punto donde se encuentran el sentimiento y el intelecto del arte de hacer música.

La música árabe, hasta finales del siglo pasado, siempre ha servido a la realeza. Se ha desarrollado gracias al apoyo económico concedido por la realeza, que la ha utilizado como entretenimiento o como símbolo de grandeza. El punto de partida ha sido siempre la poesía, pues en la cultura islámica tiene un papel muy importante. La gigantesca expansión del imperio islámico la convierte también en catalizadora de muchas tradiciones musicales.

      La transmisión es mayoritariamente oral, ya que incluso hoy se utiliza la notación casi exclusivamente con fines pedagógicos, pues nunca se ha buscado una excesiva precisión en las composiciones de los músicos. Un ejemplo de esto es que los tonos, que a pesar de estar registrados en la notación árabe, varían su afinación dependiendo del maestro o incluso del intérprete. De igual manera, un mismo modo tiene diferentes nombres y afinaciones según la región.

        La música está muy presente en la vida de cualquier árabe, ya que es utilizada en celebraciones tanto religiosas como populares.

Historia.

Al-Kindi durante su vida (alrededor de 801-873 d.C.) fue el primer gran teórico de la música árabe. Él propuso que se incluyera una quinta cuerda al laúd y reflexionó sobre las connotaciones cosmológicas de la música. Superó la obra griega utilizando una anotación alfabética para cada octava. Publicó quince tratados de teoría musical de los que sin embargo sólo sobreviven cinco. En uno de sus tratados utilizó la palabra música por primera vez en árabe. 

Al-Farabi (872-950) escribió un libro acerca de música, el Kitab al Musiqi al Kabir (El gran libro de la música). Su sistema de tonos se utiliza todavía aún en la música árabe.

Al-Ghazali (1059-1111) escribió un tratado de música en persa en el cual declaró: El éxtasis es el estado causado por escuchar música. 

En 1252 Safi Eddin desarrolló un sistema de escritura musical donde el ritmo se representaba geométricamente. Algo similar no aparecería en occidente hasta 1987. 

Al-Ándalus se convirtió en el siglo XI en el principal centro de fabricación de instrumentos musicales de Europa.

Características de la música árabe.

La música árabe se caracteriza por la superioridad de la melodía y el ritmo sobre la armonía. Lo habitual es que la música sea monódica, aunque también existen algunos ejemplos música árabe polifónica.

Desde el punto de vista melódico el sistema musical árabe está basado en la octava occidental dividida en 24 cuartos de tono, un sistema difícil de asimilar por los oídos acostumbrados a la música occidental, que posee octava dividida en 12 semitonos y sin microtonalismo. Para escribir la música árabe usando la notación musical occidental, ajena al cuarto de tono, se utilizan los signos + y -. El + sirve para indicar la elevación de un cuarto de tono y el signo - para indicar la bajada de un cuarto de tono. Estos signos, combinados con el bemol, sostenido y becuadro, facilitan la representación gráfica de los intervalos de cuartos de tono.

El maqam árabe es un sistema de modos melódicos utilizado en la música árabe. La palabra maqam significa estación. Cada maqam está constituido en una escala determinada y por una serie de de notas importantes, frases melódicas habituales y por un desarrollo melódico y por una modulación determinadas por la tradición. Tanto las composiciones como las improvisaciones en la música tradicional árabe se basan en el sistema del maqam. Los maqam pueden interpretarse ya sea con un instrumento o con la voz y no incluyen el ritmo.

• Instrumentos de la música árabe.
• Arghul: instrumento aerófono.

Este es el sonido del instrumento.

• Bendir: tambor.

Sonido del Bendir.

• Laúd arabe: con forma de pera, este instrumento sirvió de modelo para la creación del laúd europeo.

Laúd árabe.

• Mizwad: instrumento de viento similar a la gaita.

Mizwad.

• Rabel: similar al violín o a la antigua viola da gamba.

El sonido del rabel.

Fuentes.

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Origen de la guitarra.

La guitarra forma parte de la familia de los instrumentos de cuerda punteada y, hoy día es el instrumento más extendido por todo el mundo, sus orígenes no están muy claros. Existen teorías de que el instrumento antecesor de la guitarra se origino en la época de los griegos, los cuales crearon un instrumento con cierta apariencia a la guitarra actual el laúd, que a diferencia de la guitarra tenía bordes rectos y 4 cuerdas, este a su vez fue copiado y modificado por los romanos. Aún así lo que hoy conocemos como laúd sería cualquier instrumento en el que las cuerdas se sitúan en un plano paralelo a la caja, a lo largo de un mástil saliente. Laúd. Sin embargo, fue a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX cuando apareció la primera guitarra con una apariencia muy similar a la actual guitarra acústica. La guitarra acústica es un tipo de guitarra con cuerdas de metal, cuyo sonido se genera mediante la vibración de las cuerdas que se amplifican en una caja acústica de madera o algún acrílico. Fuentes. El contenido de este post es una recopilación y síntesis de diversas fuentes de información de internet.

Canto bizantino.

El canto bizantino es un canto exclusivo de la iglesia ortodoxa de Grecia, usado en su liturgia y sus celebraciones.
Ocasionalmente recibe el acompañamiento de instrumentos como campanas pero normalmente no tiene acompañamiento instrumental.
Es similar al canto gregoriano por el hecho de que no tiene acompañamiento instrumental y es monódico, es decir que sigue una sola melodía en lugar de varias superpuestas.

Composiciones de canto bizantino.

Kanónas (canon): Con un ritmo rápido que las caracteriza en su interpretación. Consta de un número de odas que varía entre 3 y 9. Cada oda consiste en una estrofa inicial (irmos), que al final de la composición, se canta de un modo lento, y de diferentes estrofas con un metro y una melodía similar a la del irmos.

kontákion: Himnos antiguos, de gran longitud y libertad compositiva, en la actualidad sólo se suelen ejecutar las primeras estrofas.

Akathístos: Obras también de 24 estrofas y que se interpretan sólo en las grandes celebraciones.

Idiómelon: Consiste en una composición con estructura tanto poética como melódica individualizada y que por lo tanto no sirve nunca de modelo a otras piezas.

Theotokío: Himnos dedicados a la Madre de Dios.

kathísma: Composición que da entrada a partes de la liturgia que se escuchan sentado.

Apolytíkion: Piezas interpretadas con un ritmo rápido y que sirven de despedida en los diferentes servicios.

Krátima: Son trabajos puramente musicales pues carecen de texto poético.

Extras.

Dejo un vídeo que contiene un canto bizantino, en el cual se utilizan campanas.

Fuentes.

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Modos eclesiásticos.

Son las escalas musicales utilizas durante la edad media para escribir música tanto en el canto gregoriano como en la musica profana.
Los modos fueron cuatro al principio, pero después se le agregaron otros cuatro.

Características de los modos eclesiásticos.

• Los modos se enumeran del I al VIII.
• Todos los modos tienen un finallis, que corresponde a lo que nosotros conocemos como tónica.
• Dentro de la numeración de los modos los impares son llamados modos auténticos y los pares modos plagales.
• Todos los modos tienen una dominante, también conocida como el tono de recitación.

Modos auténticos.

Protus, finallis en Re.

Deuterus, finallis Mi.

Tritus, finallis en Fa.

Tetrardus, finallis en Sol.

Modos plagales.

Los modos plagales comienzan una cuarta abajo del finallis del modo autentico, pero la ultima nota de la escala es la misma.

Protus plagal.

Deuterus plagal.

Tritus plagal.

Tetrardus plagal.

Aqui una lista de los modos auténticos y plagales.

Fuentes.

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Modos griegos.

Los modos son escalas musicales que varían de características.
Entonces por esta afirmación podemos decir que los modos griegos son escalas que tienen características especificas.

Modos griegos.

A partir de la tónica de una escala mayor, que en este caso sera la de Do mayor, iremos haciendo escalas a partir de todos los grados de la escala mayor original, recorriendo la nota desde la que empieza la escala. Estas nuevas escalas tendrán la misma armadura que la escala mayor de la que parten, que en este caso sería en una armadura sin alteraciones, como se muestra en la siguiente tabla.

Modos mayores.

Se llaman modos mayores los que tienen la característica de que, del grado I al III se forma una tercera mayor. Estos modos son el modo jónico, lidio y mixolidio.

Modos menores.

Se llaman modos menores los que tienen una tercera menor del grado I al III. Estos modos son el modo dórico, frigio, eolio y locrio.

Características de cada modo:

Partiendo de la tónica de cada escala se pueden apreciar características únicas de cada modo.

El modo jónico equivale a una escala mayor y tiene un intervalo de 4° justa y 7° mayor ascendentes.

El modo dórico tiene un intervalo de 6° mayor ascendente.

El modo frigio tiene un intervalo de 2° menor.

El modo lidio tiene un intervalo de 4° aumentada.

El modo mixolidio tiene un intervalo de 7° disminuida.

El modo eolio equivale a una escala menor y tiene un intervalo de 6° disminuida.

El modo locrio tiene un intervalo de 5° disminuida.

Extras.

Si tienen un buen odio para la apreciación musical les recomiendo escuchar el álbum "Kind of blue" de Miles Davis. Dejo el enlace para escucharlo completo en YouTube.

https://www.youtube.com/watch?v=kbxtYqA6ypM

Fuentes.

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Impresionismo.

Es una corriente artística que nace en la pintura. Es caracterizada por el intento de plasmar la luz y el instante, dejando en segundo plano otros aspectos.
El nombre del movimiento se basa en el nombre del cuadro de Claude Monet titulado "Impression soleil levant" en 1872.
Por su innovación en el arte el impresionismo es considerado uno de los precursores de las artes contemporáneas.

¿Que es el impresionismo musical?

En todas las artes el impresionismo busco expresar las ideas en un modo inusual. En la música sus atributos fueron los siguientes:

• Un tiempo musical mas libre, y con capacidad de rubato (termino usado para referirse a la aceleración o desaceleración de una pieza) a gusto del interprete.
• Utilización de escalas que cambian en una sola composición, no solo utilizando escalas comunes, sino también inventándolas. 
• Notas extrañas al acorde.

Sus principales exponentes son: 

Claude Debussy: Se refirió a la melodía como insuficiente para expresar las cambiantes emociones de la vida y agregaba que la melodía de una canción sólo servía para expresar sentimientos fijos.

En sus composiciones los ritmos son libres y la ausencia de acentuación regular, da la sensación de un constante fluir. 

Maurice Ravel: Fue capaz de lograr una obra compleja y bella a partir de pocos elementos, por ejemplo: El Bolero, obra que escribió basándose en sólo 16 compases.

A continuación algunas obras de Debussy y Ravel.

Syrinx de Debussy, en la que se musicalmente

 aprecia una escala inventada.

"La Cathédrale Engloutie" de Debussy, caracteriza por 

la experimentación con el timbre.

Bolero de Ravel, bella y sencilla composición 

musical.

Fuentes.

El contenido de este post es una recopilación de diversas fuentes.

La música antigua de China.

El legendario creador de la música según la mitología china fue Ling Lun, quien hizo cañas de bambú de manera que sonaran como pájaros.

Un poderoso legislador le preguntó una vez a un sabio llamado Mencio si era moral que prefiera la música popular frente a la clásica. La respuesta fue que lo único importante era que ame a sus súbditos. 

El órgano encargado de la música imperial, establecida, fue grandemente expandida bajo el Emperador Han Wu Di, además se le encargó supervisar la música cortesana y la música militar y determinar qué música folclórica sería oficialmente reconocida. En las dinastías subsecuentes, el desarrollo de la música china fue fuertemente influida por la música foránea, en especial, la centro asiática

La música conocida más antigua es Youlan o la Orquídea Solitaria, atribuida a Confucio. El primer gran florecimiento adecuadamente documentado de la música china fue durante la Dinastía Tang (etapa en la historia de China que se caracteriza por la expansión del territorio del país).

En la antigua China, la posición de los músicos era mucho más baja que la de los pintores, a pesar de esto la música ha sido vista como central para la armonía del país. Casi todos los emperadores tomaron seriamente la música folclórica, enviando oficiales para recolectar las canciones e inspeccionar la voluntad popular. Uno de los clásicos confucionistas, Shi Jing, contenía varias canciones folclóricas que databan desde el 800 a. C. hacia alrededor del 300 a. C.

El primer europeo que llegó a China con un Instrumento musical fue el presbítero Jesuita Matteo Ricci, quien presentó un clave a la corte imperial Ming en 1601, y enseñó a cuatro eunucos a tocarlo.

Sistema musical.

El sistema que constituye la base de la teoría musical  china llamada lou (lou es para los chinos origen, ley o medida) ha sido constantemente perfeccionada y pensada por generaciones de sabios y teóricos de la música.
Los cantos más antiguos nos demuestran que la escala china primitiva, anterior a la citada precedentemente, estaba formada por 5 sonidos:
FA - SOL - LA - DO - RE
Esta misma escala habría servido  a muchos pueblos (hebreos, irlandeses, escoceses, galeses y bretones).
Posteriormente se habría perfeccionado hasta alcanzar un cromatismo mas extenso, a tal punto de que el sistema musical chino llegaría a constituirse de 51 notas.

Historia del piano.

Les dejo la historia del piano en una imagen:

Fuentes.

www.TecnoPiano.com

La música de la Edad Media.

La Edad media comprende desde el siglo V, hasta el siglo XV.Se 
divide en dos partes, la Alta Edad Media (del V al X) y la Baja Edad Media (del XI al XV)
El sistema de gobierno todo ese tiempo fue el Feudalismo, en este periodo de desolación y desmembramiento social que es la Edad Media, sólo una institución mantenía un poco de cohesión: la Iglesia, y sólo ella, disponía de una cierta estabilidad y estructura donde poder dedicar algún tiempo a cultivar el espíritu. A la Iglesia le debemos la mínima continuidad musical con el legado de la antigüedad, como, por ejemplo, el establecimiento de los modos eclesiásticos.
La Iglesia tenía control sobre todo el pueblo, no había otra forma de vivir más que el cristianismo (catolicismo). Por este motivo es que la música empieza siendo un canto en alabanza a Dios y agradeciendole. 
Los cantos que se componían en esta época se caracterizan porque:

• Se escribían en Latín
• Música vocal (Sin instrumentos)
• Melodías muy modales (Sin cambios no permitidos)
• Polifonía muy elemental (Intervlos entre notas, muy cortos

Los cantos podían dividirse en tres grandes partes, que son:

1. El canto llano o monodia religiosa, popularmente denominado canto gregoriano. Es con gran diferencia el repertorio medieval más antiguo y extenso, e incluye la gran mayoría de música litúrgica cristiana de la época que se conserva. Es música estrictamente vocal, de ritmo libre, texto latino y escrita a una sola voz.
2. La música profana o música de trovadores. De escritura también monódica y vocal, fue creada en ambientes aristocráticos y con textos en lengua vernácula; sus autores son llamados trovadores. Su temática es amaorosa, ésta si era acompañada de instrumentos y con compás definido
3. La polifonía, música escrita a varias voces y que surge por evolución de las anteriores durante la Baja Edad Media, primero en el ámbito religioso y posteriormente también en el profano.  

Existían artistas llamados Juglares, los cuáles, para la Iglesia eran errantes, profános. Ellos contaban historias, bailando, cantando, haciendo teatro, de aldea en aldea. Nunca se sabía en dónde podían estar ya que, la iglesia los perseguía a muerte. Ellos eran los encargados de que las personas no cayeran en el engaño de la Iglesia y llevar el arte a todas partes. 


Fuentes.

En contenido de este post es una recopilación y síntesis de diversas fuentes de información de internet. 

Tipos de orquestas.

Las orquestas en general son agrupaciones instrumentales formadas por tres secciones de instrumentos (cuerdas, vientos, percusiones) y han variado dependiendo del contexto histórico y lugar en el que se encuentren, por eso en este post escribiré sobre los tipos de orquestas a lo largo de la historia y también los tipos de orquestas que existen actualmente.

Antecedentes históricos.

Los antecedentes mas antiguos que tenemos de una orquesta se remontan a la antigua China en donde el emperador tenía a su orden una orquesta de aproximadamente 500 personas y entre los instrumentos que tocaban se encuentran los normales, instrumentos de viento, cuerdas y percusión.

En el siglo XVI las primeras orquestas europeas se forman para para entretenimiento de la corte, interpretando por lo general ballets.
Hacía finales del siglo XVIII la orquesta se definió un poco mas, pero los músicos de las orquestas de esa época tocaban de pie, salvo el director de la orquesta, que a parte de dirigir tocaba el clavicordio. 

Clavicordio.

A menos que el director de la orquesta fuera un violinista, cabe decir que los directores tal y como los conocemos no existían.
En esa época cada persona de la clase alta tenía su propia orquesta conformada por un incierto numero de músicos, que a parte de ser músicos eran sirvientes y desempeñaban otras labores del hogar.

Fue en la ciudad de Mannheim en Alemania donde surgió una de las orquestas mas famosas y que serviría de base para las orquestas que se fueran creando en los años venideros. La orquesta creada por el director y compositor Johann Stamitz estaba conformada por 16 violines, 4 violas, 2 violoncelos, 2 contrabajos, 3 flautas, 

3 oboes. 2 clarinetes, 4 fagots, 5 cornos y de vez en cuando se le 

agregaban trompetas y tambores si era necesario.


A medida que las composiciones musicales exigían una mayor 

capacidad y unos tintes mas coloridos a las obra, al igual que un

mayor sonido las orquestas fueron evolucionando llegando a 

convertirse en un trabajo bien pagado y hecho con 

profesionalismo, esto se debió a que los compositores eran cada vez

mas exigentes, como por ejemplo Berlioz, que solicito 60 violines 

para su "sinfonía fantástica".

O también es el caso de obras de Wagner que necesito de mas

instrumentos de los que en ese entonces se utilizaban para lograr el

sonido deseado.

Orquestas en la actualidad.

En la actualidad los tipos de orquestas mas notables son:

• La orquesta sinfónica: Su nombre es tomado de las sinfonías, que son composiciones musicales ideadas para varios
  instrumentos.  Las orquestas sinfónicas varían en cuanto al
  numero de músicos, que puede ser desde 50 hasta 100 músicos.

• Orquesta de cámara: Las orquestas de cámara son agrupaciones "compactas" de las orquestas sinfónicas, y como su nombre lo dice, son lo suficientemente pequeñas como para caber en una sala. Están conformadas por menos de 50 músicos y los instrumentos que utilizan son casi los mismos que los de la orquesta sinfónica, solo que a deferencia de ella solo hay un ejecutante por cada instrumento, a diferencia de lo que ocurre en la orquesta sinfónica, en donde hay 2 o 3 ejecutantes por cada instrumento.

Fuente.

El contenido de este post es una recopilación y síntesis de diversas 

fuentes de información de internet.

Características de los instrumentos.

Los diversos instrumentos tienen una clasificación y características las cuales trataremos en este post, y a cada instrumento se le acompañara un vídeo en el que se puede apreciar la forma y sonido del instrumento.

Cuerda.

Se llaman así porque, como bien lo dice su nombre tienen la capacidad de producir sonidos mediante la acción de hacer vibrar las cuerdas. Como se explica con la ley de los armónicos postulada por Pitágoras, mientras mas corta sea la cuerda mas agudo sera el sonido.

Los instrumentos de cuerda son los mas numerosos en la orquesta sinfónica y se dividen a su vez en tres grupos.

Cuerda frotada.

Son los que consiguen su sonido a partir de frotar sus cuerdas con un arco, hecho generalmente de madera y crin (casi siempre de caballo). En esta clasificación se encuentran:

• Violín: Su nombre es un diminutivo de viola, y anteriormente al violín también se le llamaba viola da braccio ya que a diferencia de la viola antigua que se sostenía en las rodillas este se sujeta con el brazo. Es el instrumento mas agudo de la familia de cuerda frotada y en la orquesta sinfónica los violines se dividen en primeros, que se encargan de partes mas agudas y melodicas y segundos, que interpretan sonidos mas graves y "de acompañamiento" para la pieza. También esta el violín principal, llamado también concertino y que desde el siglo XVIII hasta finales del siglo XIX fue el director de la orquesta.
  El instrumento esta afinado por quintas justas a partir de sol3.
  El violín ha sido muy importante e incluso varios compositores han hecho "conciertos para violín".

Concierto para violín. Philip Glass, tercer movimiento.

       El violín ha sido muy importante e incluso varios compositores        han hecho "conciertos para violín".

• Viola: Es ligeramente mas grande que el violín, vulgarmente yo diría que la viola "tiene un trasero mas grande". A diferencia del violín su sonido es mas opaco, pero igualmente se afina por quintas a partir de do2.

Concierto para viola y orquesta. Hoffmeister.

       El sonido de la viola es muy parecido al del violín pero con un        poco de apreciación musical podemos diferenciarlos. 

• Violonchelo: También llamado cello, se toca en posición vertical, apoyado en las piernas del músico. Su estructura sonora hace que sea ideal tanto para acompañamiento como para melodía principal.
  

Concierto para cello. Joseph Haydn.

• Contrabajo: El el mas grande de los instrumentos de cuerda  frotada midiendo 1.80 metros y al igual que el violonchelo se toca en posición vertical.

Concierto para contrabajo. Domenico Dragonetti.

Cuerda pulsada.

Son los instrumento que se tocan dando pulsaciones sobre la cuerda con las manos. En la orquesta sinfonica solo hay un instrumento obligatorio de cuerda frotada.

El arpa, que esta conformada por 46 cuerdas y tienes una peculiar forma y sonido.

Concierto para arpa. Francisco Boieldieu.

Cuerda percutida.

Son los instrumento que producen un sonido mediante un golpe a las cuerdas, en la orquesta sinfónica solo se puede encontrar el piano, consta de 88 notas y teclas. Es uno de los instrumentos mas importantes y versátiles por sus capacidades polifónicas, armónicas y melódicas.

Concierto para piano. Mozart.

 Viento.

Los instrumentos de viento son los instrumento que funcionan por medio de aire, generalmente proporcionado por los humanos al soplar. Estos a su vez se clasifican en madera y metal.

Instrumentos de viento madera.

Los instrumento de viento madera en la actualidad no necesariamente son de madera, pero aun así reciben este nombre porque antiguamente estaban hechos exclusivamente de madera, en la orquesta podemos ver los siguientes instrumentos.

• Flauta: Estas se caracterizan por su dulce sonido.

Concierto para flauta transversa. Vivaldi.

• Piccolo o flautín: Su sonido es mas agudo que el de la flauta.

Concierto para piccolo. Vivaldi.

• Oboe: Su sonido es fino y se caracteriza por ser el considerado como el instrumento de viento con los sonidos mas bellos y expresivos.

Concierto para oboe. Mozart.

• Clarinete: Su sonido tiene un tinte dramático y tiene un rango musical muy extenso.

Concierto para clarinete. Mozart.

• Fagot: Es el instrumento mas grave de la familia de viento madera.

Concierto para fagot. Mozart.

Instrumentos de viento metal: Estos instrumentos solo pueden producir las notas naturales de la escala en la que estén afinados, por eso recurren a otros métodos cuando requieren de notas que no entren en su rango, su sonido se produce por las vibraciones que produce el aire al entrar en el instrumento.

• Trompa: Hay trompas en muchas tonalidades pero las mas usadas son las afinada en fa.

Concierto para trompa. Mozart.

• Trompeta: Su sonido es mas agudo que el de la trompa pero esta a diferencia de la trompa puede producir una escala cromática, aunque si no se toca bien algunas notas pueden sonar muy desafinadas.

Concierto para trompeta. Haydn.

• Trombón: Produce sonidos muy graves y hay trombones de dos tipos, tenor y bajo.

Concierto para trombón. Rimsky Korsakov.

• Tuba: Comúnmente utilizada para lograr sonidos dramáticos, su sonido es muy parecido al de la trompa.

Ralph Vaughan. Concierto para tuba.

Percusión.

Sus sonidos se obtienen cuando pegas agitas o raspas el instrumento.

Se dividen en instrumentos de percusión de afinación determinada:

• Xilófono: Puede producir tres octavas cromáticas, tiene un sonido penetrante.

Concierto para xilófono y orquesta. Guillermo Zalcman.

• Campanas tubulares: Son tubos colocados de manera vertical y se colocan desde el mas grave que es el mas largo y el mas agudo, que también es el mas pequeño. Como bien lo dice su nombre, el sonido recuerda a las campanas de una iglesia.

De esta no tengo una obra especifica, pero les dejo 

un vídeo que muestra como son y su sonido.

Y de afinación indeterminada: Que no esta definida su afinación, pero son el triangulo, la pandereta, los platillos, el gong y el bombo por citar algunos. Ellos rara vez son la parte principal de las composiciones musicales pero aun así representan un papel importante en la música, que es el de marcar el ritmo de la composición. Aun así de vídeos de algunos de estos.

Un solo de triangulo del grupo de rock Foo Fighters.

Aquí vemos a un loco tratando de 

usar sin resultados una pandereta.

Aquí tenemos a dos personas tocando bombos en lo que parece una comida familiar.

Extras.

La "Orquesta filarmónica de Londres" tiene una playlist en Youtube sobre todos los instrumento utilizados en sus conciertos, dejo el link aqui:

https://www.youtube.com/playlist?list=PLqR22EoucCyccs5J639SCefaM7mD9dMSz

Y un vídeo de ellos que habla sobre los instrumentos de percusión.

Puedes traducir los subtitulos en youtube, aunque lamentablemente a veces hay errores por lo que si quieres entenderlos completamente necesitas manejar ligeramente el idioma ingles.

Fuentes.

El contenido de este post es una recopilación y síntesis de diversas fuentes de información en internet.